Le 15 caratteristiche teatrali più importanti

IL Caratteristiche teatrali più importanti Sono strettamente correlati agli elementi comuni a qualsiasi lavoro o prestazione. Il termine teatro ha le sue origini nella parola greca Teatron, Il che significa un "luogo dove guardare".

Pertanto, originariamente, il teatro si riferiva sia a un luogo che a una particolare forma di percezione. Oggi, il concetto di teatro può fare riferimento a: un edificio, un'attività ("andare a" o "do" teatro), un'istituzione e una forma d'arte.

Il teatro è la filiale dell'arte panoramica legata alla performance e alla rappresentazione di storie di fronte a un pubblico dal vivo, usando una combinazione di discorsi, gesti, scenari, musica, suoni e spettacoli che cercano di stimolare ed eccitare lo spettatore.

La mente gioca anche un ruolo importante nel teatro, poiché questa espressione artistica viene decifrata secondo la percezione e l'immaginazione dello spettatore.

Tutte le opere hanno elementi comuni che caratterizzano questa arte. Successivamente, puoi vedere in modo più dettagliato le caratteristiche più importanti.

15 elementi caratteristici del teatro

1- Trama

Fonte: Morruelo [CC BY-SA 4.0 (https: // creativeCommons.Org/licenze/by-sa/4.0)] via Wikimedia Commons)

Questo è ciò che accade nel lavoro. Si riferisce all'azione. L'organizzazione degli eventi o la selezione e l'ordine delle scene in un gioco. Secondo Aristotele, è un concetto astratto che si riferisce alla disposizione degli incidenti che costituiscono la materia prima e le componenti della storia.

La trama è il modo in cui questi incidenti sono strutturati in un insieme coerente. Se la disposizione dell'ordine originale viene modificata, verrà generata una nuova trama. Nel teatro predominano due tipi di trama. Successivamente, le sue caratteristiche principali e gli elementi differenziati:

Trama della risoluzione 

• La trama inizia tardi nella storia, più vicina alla fine o al climax.
• Copre un breve spazio temporale.
• Contiene alcune scene solide e ampliate.
• Si verifica in una città limitata, una stanza o una casa.
• Il numero di caratteri è gravemente delimitato.
• Vengono sollevate poche trame secondarie.
• La linea di azione procede in una catena di causa ed effetto. I personaggi e gli eventi sono strettamente collegati in una sequenza di sviluppo logico, quasi inevitabile.

Trama della rivelazione

• La trama inizia relativamente presto nella storia e si muove attraverso una serie di atti.
• Copre lunghi periodi di tempo.
• Molte scene brevi e frammentate o l'alternanza tra scene brevi e lunghe.
• Può coprire un'intera città o anche in diversi paesi.
• Abbondanza di personaggi.
• Frequentemente contrassegnato da diversi fili d'azione, diverse storie parallele.
• Le scene sono associate tra loro. Un evento può derivare da diverse cause o nessuna causa apparente, ma sorge in una rete di circostanze.

2- tema

Fonte: Martinbayo [CC BY-SA 4.0 (https: // creativeCommons.Org/licenze/by-sa/4.0)] via Wikimedia Commons)

Mentre la trama si riferisce all'azione del lavoro, il problema si riferisce al significato del lavoro. A volte, è chiaramente indicato nel titolo.

Altre volte può essere dichiarato attraverso il dialogo da un personaggio che funge da voce del drammaturgo. A volte, il problema è meno ovvio e sorge solo dopo aver analizzato il contenuto del lavoro.

3- caratteri

Sono le persone, gli animali o le idee rappresentate dagli attori nel lavoro. In termini strutturali, i personaggi sono gli agenti d'azione, che forniscono le motivazioni per gli eventi nella trama.

Ogni personaggio deve avere la propria personalità, età, aspetto, credenze, storia socioeconomica e linguaggio. Secondo le loro funzioni nel lavoro, alcuni tipi di personaggi possono essere rivisti:

• Protagonista: Il personaggio principale.
• Antagonista: Il più grande avversario del protagonista.
• Controparti: Rivelano alcuni aspetti del personaggio principale per avere circostanze o comportamenti simili o diversi.

4- sceneggiatura o testo

Questo è il punto di partenza della rappresentazione teatrale. È il testo con cui viene creato il gioco. È costituito dal dialogo, dalle istruzioni panoramiche, dalle descrizioni dei personaggi e simili in un'opera. Si riferisce alle parole scritte dal drammaturgo e interpretate dai personaggi.

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5- Gener

Classe distintiva del lavoro. Il genere proviene da una parola francese che significa "categoria" o "ragazzo". La scelta del genere riflette il punto di vista dello scrittore verso l'argomento.

I seguenti tipi di opere sono generalmente rappresentati nel teatro: tragedia, commedia, melodramma e tragicomima. Ognuno di questi generi può essere suddiviso più per stile e contenuto in:

Tragedia

È un'imitazione di un'azione grave, complessa e pertinente. La tragedia è seria per natura nella sua materia e si occupa di problemi profondi. Questi profondi problemi sono universali e risvegliano compassione e paura al pubblico quando assistono all'azione.

Commedia

Ha la visione di far ridere il pubblico, di solito è fisico ed energico. Il comportamento dei personaggi presentati è ridicolo e talvolta assurdo. Stimola una correzione del comportamento della società al pubblico.

Melodramma

È il dramma del disastro, le circostanze al di fuori del controllo del protagonista causano i fatti significativi della trama. Gli aspetti della colpa e della responsabilità del protagonista vengono eliminati.

Il protagonista è vittima di circostanze. Il melodramma ha un forte senso di giudizio morale. Tutti i problemi presentati vengono risolti in modo ben definito. I bravi personaggi vengono premiati e i personaggi cattivi vengono puniti.

Tragicommedia

È un riflesso della vita stessa, contiene tutti i generi precedenti. Non intende giudicare o emettere giudizi assoluti. Si concentra sulle relazioni dei personaggi e mostra la società in uno stato di flusso continuo.

6- Costumi e trucco

Sono elementi che servono a caratterizzare gli attori quando ricreano un personaggio.

Spogliatoio

Si riferisce a vestiti e accessori usati sul palco da un attore o un interprete. Gli antichi greci erano i pionieri per elaborare costumi specifici per ogni personaggio, questa arte serviva a far rivivere l'era medievale e rappresentano grandi marchesi della corte.

Trucco

È l'uso di cosmetici nell'alterazione dell'aspetto fisico di un attore in modo che il suo aspetto si adatti a un determinato documento o per compensare gli effetti dell'illuminazione panoramica.

L'arte del trucco è stata rivoluzionata dall'introduzione dell'illuminazione elettrica e del gas ed è ora diventata una pratica altamente tecnica.

7- illuminazione ed effetti sonori

Il posizionamento, l'intensità e il colore delle luci, nonché gli effetti sonori aiutano il regista a comunicare l'ambiente, l'umore o la sensazione in una scena.

L'illuminazione è stata riconosciuta come un'importante caratteristica della produzione teatrale quando le azioni interne sono state somministrate per la prima volta durante la rinascita, coinvolgendo l'uso di candele e liquidi infiammabili.

Le innovazioni cruciali della tecnologia nell'illuminazione includevano l'introduzione di lampade a piedi, l'uso di riflettori per aumentare l'intensità delle travi di luce e l'oscuramento delle luci nell'auditorium in 1.876.

Lo sviluppo dell'illuminazione del gas all'inizio del XIX secolo rappresentava un progresso importante nonostante i pericoli coinvolti. L'uso dell'illuminazione elettrica è iniziato al California Theatre di San Francisco in 1.879.

Attualmente i sistemi di illuminazione nei teatri moderni sono controllati da schede computerizzate altamente sofisticate, che possono coordinare l'illuminazione di un intero sistema. Altre recenti innovazioni hanno incluso esperimenti con luce ultravioletta, laser e olografia.

Gli effetti sonori sono i rumori che vengono generati per accompagnare una scena in una commedia, che può essere prodotta da computer o attori dentro e fuori dal palco.

8- Direttore

È la persona responsabile dell'unità totale di produzione e coordinare gli sforzi degli artisti. Il lavoro del regista è fondamentale per la produzione di un'opera teatrale, poiché è il regista che stabilisce la visione della produzione per tutti i soggetti coinvolti.

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Il regista ha il compito impegnativo di raccogliere molti pezzi complessi di una produzione: la sceneggiatura, gli attori, i costumi, l'illuminazione, il suono e la musica in un insieme unificato. Per svolgere questo compito, un regista ha bisogno:

• Interpretare la sceneggiatura.
• Collaborare con i designer.
• Pianifica le prove.
• Guidare gli attori nel loro lavoro durante i saggi.

Il lavoro del regista si basa spesso su uno studio dettagliato e l'analisi dell'oggetto di script dell'assemblea. Molte letture accurate della sceneggiatura aiutano il regista a sviluppare una visione individuale delle intenzioni di drammaturgo. La tua percezione influenzerà qualsiasi aspetto della produzione.

I registi studiano anche i personaggi della sceneggiatura, raccogliendo quante più informazioni possibili sulle loro caratteristiche fisiche e psicologiche, qualcosa di vitale per la selezione del casting.

9- udito

Fonte: Prosperoproductions [CC BY-SA 3.0 (https: // creativeCommons.Org/licenze/by-sa/3.0)] via Wikimedia Commons)

Gruppo di persone che vedono il lavoro. Molti drammaturghi e attori ritengono che il pubblico sia l'elemento più importante del teatro, poiché tutto lo sforzo posto nella scrittura e nella produzione di un'opera teatrale è per il godimento del pubblico.

Perché nel teatro gli interpreti sono in presenza diretta con il pubblico viene generato un flusso circolare di energia, l'attore colpisce il pubblico e viceversa. Questo effetto è amplificato dal fatto che il teatro è un evento comune.

L'esperienza di gruppo è indispensabile, poiché il gruppo rafforza le emozioni vissute dall'individuo e crea una coscienza collettiva. Quando un gruppo di individui risponde in modo simile a ciò che sta accadendo sul palco, il loro rapporto con gli altri viene riaffermato e rafforzato.

Il grado di separazione tra il cast e il pubblico è ciò che differenzia il teatro convenzionale dal teatro partecipativo.

Nel primo, il pubblico usa la sua immaginazione per partecipare al lavoro mentre si separa dall'azione. Nel secondo, gli attori interagiscono con il pubblico che cercano di seguire una sceneggiatura consolidata e improvvisata, sottolineando lo sviluppo personale o la terapia collettiva.

A teatro, un pubblico viene chiesto di accettare molti tipi di mondi immaginari. Un modo per differenziare questi regni immaginari è dividerli in quello che viene chiamato teatro realistico e non realistico.

Il realismo divenne il modo dominante del teatro europeo alla fine del XIX secolo, cerca di ricreare la vita così vicina che il pubblico presume che debba essere la vita. Il nonalismo, d'altra parte, cerca di trascendere la realtà osservata e presentare la parte della vita che esiste nella mente.

Tuttavia, è un errore supporre che questi due approcci siano reciprocamente esclusivi. La maggior parte delle esibizioni teatrali contengono una miscela di elementi realistici e non ridotti.

10- Sceografia

Serve a ricreare l'ambiente in cui si sviluppa la trama, la scenografia ha i seguenti obiettivi:

• Stabilire il tono e lo stile di produzione.
• Stabilire tempo e luogo.
• Distinguere il realismo del non -nonalismo.
• Coordinare il paesaggio con altri elementi.
• Affrontare i limiti dello spazio sul palco e l'area off -scene.

Tutti questi obiettivi sono affrontati in più incontri tra il direttore, il set designer e il team di progettazione. Successivamente, le idee sono incorporate negli schizzi, che dopo recensioni, analisi e modifiche consentono di escogitare la scena che si adatta meglio alla storia e alla visione dei creativi.

Una volta completata questa fase, i progetti vengono consegnati a un direttore tecnico, che esegue le costruzioni, gli aggiustamenti e le strutture necessari sulla fase per la materializzazione del previsto.

11- Scenario

Sono attrezzature teatrali, come tende, pavimenti, fondi o piattaforme, che vengono utilizzate in una produzione drammatica.

12- utile

Fonte: Martinbayo [CC BY-SA 4.0 (https: // creativeCommons.Org/licenze/by-sa/4.0)] via Wikimedia Commons)

Esistono diverse categorie di prop. Gran parte delle prime relazioni alla sceneggiatura e sono elementi richiesti dal direttore. Il set designer di solito richiede anche nel suo insieme come i mobili che appare sulla scena, a volte c'è una sottile linea di divisione tra questo tipo di prop.

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Gli oggetti di scena sono qualsiasi articolo mobile che appare durante un'azione, ad eccezione dei costumi e del palcoscenico. Sono articoli manipolati da uno o più attori. Un libro, una pistola, un bicchiere di vino, tra gli altri.

13- Atti

Fonte: Martinbayo [CC BY-SA 4.0 (https: // creativeCommons.Org/licenze/by-sa/4.0)] via Wikimedia Commons)

Rappresentano un'importante divisione nello sviluppo del teatro. La maggior parte delle commedie dell'era elisabettiana fino al diciannovesimo secolo furono divise in cinque atti dai drammaturghi o dai redattori successivi.

Alla fine del XIX secolo, molti scrittori hanno iniziato a scrivere opere di quattro atti. Oggi, uno, due e tre atti sono i giochi più comuni.

14- Theatres (Building)

È lo spazio in cui gli attori o il pubblico si legano. È essenziale avere un'area in cui l'artista, l'esecutore o l'esecutore comunica con un pubblico vivente.

Gli edifici teatrali si sono evoluti dagli anfiere esterni dei Greci e dei Romani, all'incredibile varietà di forme che vediamo oggi. È uno spazio che supporta lo scambio emotivo tra il cast e il pubblico.

15- Convenzione

Fonte: Alain Chaviano [CC BY-SA 4.0 (https: // creativeCommons.Org/licenze/by-sa/4.0)] via Wikimedia Commons)

Una convenzione teatrale è uno strumento pratico usato dal drammaturgo o dal regista per aiutare a raccontare la storia della commedia in teatro. La convenzione teatrale più comune è quella dei personaggi che parlano e fingono di non notare il pubblico.

Si chiama spesso la quarta mura.

Origini ed evoluzione storica del teatro

Quando il teatro è iniziato esattamente è un mistero. I cacciatori preistorici rappresentavano storie sulle loro spedizioni di caccia. Gli antichi egiziani eseguirono canzoni sacre e ballarono per i loro dei nelle cerimonie religiose. Ma l'idea del teatro come intrattenimento drammatico è arrivata più tardi.

È noto che le parole inglesi per la tragedia e la commedia provengono dalla lingua degli antichi greci. Sebbene i Greci non fossero i primi a interpretare le opere teatrali, erano molto interessati alle origini della tragedia e della commedia.

Nei suoi scritti, il filosofo Aristotele e altri scrittori greci hanno proposto teorie e hanno creato ipotesi su come si è sviluppata la forma dell'arte del teatro.

Le opere greche sono state eseguite nei teatri all'aperto. Inizialmente, i teatri si trovavano in aree aperte situate nel centro della città o accanto alle pistero. Il pubblico stava per ascoltare e vedere il coro cantare sulle avventure di un dio o un eroe.

Verso la fine del sesto secolo a. C., Le strutture teatrali sono diventate più elaborate. Man mano che il teatro diventava crescente.000 persone allo stesso tempo.

Il teatro esiste da quando le persone si sono radunate per la prima volta ad ascoltare qualcun altro per raccontare una storia. Amici e familiari hanno condiviso le responsabilità del pubblico e dell'interprete, scambiando ruoli fintanto che qualcuno aveva una storia da condividere.

Il teatro moderno può essere più formale, con attori addestrati a ricreare una storia e spettatori sofisticati che reagiscono a una messa in scena, ma l'idea di condividere energie tra il cast e un pubblico dal vivo rimane invariante.

Riferimenti

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3. Di Benedetto, s. (2012). Un'introduzione al design del teatro. Oxon, Routledge.
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5. Wilson, e. (2010). Esperienza teatrale. New York, McGraw-Hill.
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